樂手經濟來源在哪裡

❶ 如何從過氣地下偶像轉為榮耀粉

「地下音樂」不是流行音樂（Pop），不是主流音樂。通常的情況等價於「搖滾音樂」或「新音樂」。但是許多樂手出於不同的理解和價值取向並不願承認自己屬於地下樂隊，所以有必要找到一個客觀的標准，即樂隊簽（藝人）約與否。樂隊簽約唱片公司，
地下偶像每月有固定的經濟來源，並享有以專輯形式發表作品的機會，則其狀態與其他樂隊有本質的不同。 beyond之前也是地下樂隊、
我覺得他們大多是有理想的窮人，他們的音樂很ROCK的，比商業化的強很多。

❷ 歐洲人的藍調和非洲人的搖滾樂具體理解是什麼

藍調（Blues）為爵士、搖滾及福音歌曲（Gospel）的老祖宗，原本只是美國早期黑奴抒發心情時所吟唱的12小節曲式，演唱或演奏時大量藍調音（Blue Notes）的應用，使得音樂上充滿了壓抑及不和諧的感覺，這種音樂聽起來十分憂郁(Blue)。但就是這麼一股」反骨〃氣息，使得它後來在叛逆的搖滾樂中發揚光大。
藍調以歌曲直接陳述內心想法的表現方式，與當時白人社會的音樂截然不同。

音樂主體以I、IV、V級和弦的方式，以最常使用的12小節方式進行，也有8和16小節形式，而它的音階是採用降第三音和降第七音以模仿西方音階。早期的樂手是使用提琴或班喬琴(Banjo)來演奏，還有一些樂手，更以Slide的方式使音符走調，讓吉他發出像人聲哭泣的聲音，藉以抒發自己的情緒，這就是藍調。

藍調樂派可分為下列幾派：

一、 Delta Blues：密西西比三角洲藍調
所謂的街頭藍調，這時期的藍調以空心吉他和口琴為主要樂器。以國內來看，有點像是地下道的老太婆手上拿著胡琴談著凄涼的曲調，國外就是一個老黑人拿著吉他坐在路邊。

Delta Blues 的大師如 Robert Johnson，對於後來藍調的發展具有相當大的影響力。

二、 Texas Blues：德州藍調
一般所謂的德州藍調就是很搖滾的藍調，如Eric Captain、Bonnie Raitt、T-Bone Walker 等等。

很多早期的Rock Music 都是 Blues

三、 Chicago Blues：芝加哥藍調
與Delta Blues的草根味，Texas Blues的火爆味比起來Chicago Blues 是屬於舞台上的Blues與其他藍調樂派比較起來，Chicago Blues顯得多樣化了點，當然這跟芝加哥的音樂非常興盛有關

而最有名的Chicago Blues的大師為B.B.King，號稱藍調之王。

四、 Country Blues：鄉村藍調
鄉村音樂的節奏和藍調音樂的進行方式，融合成為鄉村藍調。與一般的藍
調的悲苦比較起來，Country Blues是相當輕快明朗的。
Country Blues的代表有Lightning Hopkins、Cephas and Wigins。

五、 Rythm Blues：節奏藍調（R&B）
有聽過貓王嗎？早期的Rock 'n Roll跟R&B的不同在於，前者是白人唱的，後者是黑人唱的 所謂的節奏藍調就是藍調音樂和流行音樂的節奏結合的成果。

曾經風靡一時的貓王、Lucky Peterson、All 4 one、BoyIIMan都是屬於R&B樂風。

六、 Jazz Blues：爵士藍調
簡單來說就是以爵士的方式演奏Blues。其實幾乎有一半左右的爵士經典曲目是藍調，由此就可以知道藍調對爵士的重要性了。特別是早期的爵士，幾乎都是以藍調為主，直到Bebop後才稍有改變。

藍調音樂的由來及歷史

藍調形成初期（即十九世紀晚期）主要是工作者，即是在工作時有呼有應的一種音樂，常是即興的，後來結合了黑人的敬拜贊美內容（靈歌）及很多種生活音樂，而RAGTIME則是結合了歐洲鋼琴，切分音（重拍不同於歐洲音樂的強-弱-次強-弱，而是：弱-強-弱-強）與非洲的節奏。

在美國剛成立之初，有非洲大陸運來了許多黑奴，這些來自非洲大陸的黑奴，有的是被騙，有的是被強行攎走到美國大陸當奴隸，替當地的白人工作，而這些黑人每天都要伐木開墾、修築鐵路隧道......等一些粗活，而且美國剛成立的時後，南方產業的經濟來源棉花田，需要大量的人力來開發，所以，大部份的男人也就被放到棉花田裡，每天拿著鋤頭，揮著汗水，曬太陽，辛苦的工作，而且還要遭受到到主子的鞭打、辱罵，更遺憾的是，這些每天辛苦工作的黑人，在社會上毫無地位，更不用說什麼自由，人權，加上又沒有受教育，社會的不公平待遇，所以，也就過得很辛苦，但是日子還是得過，於是他們只好把這些不滿、不愉快的心情，轉移到歌聲中。

在田裡一邊工作，一邊哼唱，這種在工作時邊哼邊唱的歌曲，就叫做『做工歌』。
做工歌由於它是在做工時所哼唱的，所以當然不會太復雜、太花俏，是比較簡單，通常采應答輪唱的方式leader-and-chorus或call-and-response，這種形式是由一個人先唱一段歌詞，所有人以合唱的形式相呼應，這就叫做『做工歌』。

還有一種叫『田間號子』，它和做工歌不一樣的是，它不是一組人唱，它是一個人幹活，然後隨口唱出一、二段顫抖的旋律，常用假音，來與附近一同工作的夥伴進行呼應，由於他們通常是使用非洲語言，這樣不僅能讓夥伴明白，更不用怕白人能聽懂。

工作完了，總是會疲憊、抱怨，這時大家會聚在一起，暔暔怨聲連接起來像是唱歌的音樂，就叫做『勞騷歌』。

最後還有一種叫做『黑人福音音樂』，由於黑人在當時的社會上並沒有什麼地位、自由，又要做工，有時又要被主子打，所以心中總是會不平衡，這麼辛苦的工作，又得不到很好的待遇，於是他們只好將他們的希望寄託在信仰上，不管他們信仰的是什麼宗教，只要能在信仰中得到心靈的安慰，就已足夠了，他們從聖經上的內容，自編自唱，就叫做『黑人福音音樂』。

藍調音樂與爵士樂之比較
簡單說，Jazz 是從Blues演變來的音樂中的一支，還有另一支叫做Rock 'n Roll。早期美國黑人的音樂內容，多從非洲而來，由於黑奴來自各個不同的國家，所以黑人音樂在美國也進行了一次大交流。那種混血音樂最著名的叫藍調（BLUES）以及散拍音樂（RAGTIME）。

❸ 搖滾樂隊的經濟來源

小樂隊的好多都是興趣愛好，純賠錢的……
然後稍微成功些的能去酒吧演出賺點零花錢，賺得比花的少

在成功的話會被簽約，唱片公司會提供一部分資金用來出專輯，然後專輯出來賣掉之後樂隊和唱片公司分錢。當然了，現在唱片銷量都太可憐所以基本很難通過唱片賺到錢。
然後各種網路下載、彩鈴、影視劇使用等等，都可能給樂隊帶來收入。

然後，樂隊真正賺錢的事：巡演，通過一些噱頭（發新唱片之類的）開巡迴演出，樂隊和公司分賬但是樂隊拿大頭。
還有出售周邊紀念品也是賺錢的門路。

當然了，有一些樂隊的地位比較尷尬，唱片沒人買，演唱會也沒什麼人看，去酒吧又顯得太掉價，橫豎賺不到錢……這樣的樂隊開演唱會經常是賠錢的……

❹ 關於校園搖滾樂隊的組建以及發展！

我是懷柔區由村官組建的小蜜蜂樂隊主唱，玩樂隊有4.5年的時間，七年前高二自學吉他。
一個最基本的搖滾樂隊樂器有，一把吉他一把貝斯（低音吉他），一個架子鼓，也有兩琴一鼓。完善一點就是兩把吉他，一個貝斯，一個鼓。加上鍵盤就更完善了，說一下價格，我們也是從窮的時候過來的，所以這點我明白。買樂器寧可買二手好的，也不買新琴賴的，切忌。基本設施兩把琴兩個效果器，一把貝斯，一個架子鼓，三個音響（吉他，貝斯用），琴的價格實在是說不好，效果器暫時建議買zoom5052或者zoom707，性價比高，505新的估計300左右，707貴一點，不知道是否停產，音響我們在新街口買過兩個axl牌子60w的,900元，貝斯箱買的二手，好像400，架子鼓買的國產標騎二手加亞鼓墊加一個佳音掉茶700元，就買鼓估計也就500，以上就是一個樂隊基本的東西，但是普遍樂隊都沒有主唱的音響，買什麼類型的也很雜，我們現在有調音台，也就是說把所有樂器和話筒都插在調音台上。
其實你們最大的問題是不會樂器，你仔細想想，學會吉他基本的大概3各月，架子鼓入門簡單，兩個月（有老師教的情況下），然後還要把樂器融合到一起磨練時間就不好說了。苦練半年後估計應該能排出簡單的歌。另外說說我的經驗，玩樂隊無論玩什麼樂器每個人的節奏感必須強，樂手唱歌跑調的估計也會差事，要有一個好主唱。另外就是樂隊的成員不能經常變換，或者今天玩琴，明天又去打鼓什麼的，還有就是必須要有個領軍任務，這樣樂隊會和諧，換句話說就是得能玩到一起，不然很快就會解散，沒到一定程度不要定什麼風格。
暫時想起來的就這些，有不明白的給我留言。
祝你們早日走上音樂的道路，玩自己喜歡的音樂。付出就會收獲，加油！

❺ 地下樂隊

關於「地下樂隊」 「地下樂隊」這個詞用了許多年，概念一直不明確。但可以肯定，「地下音樂」不是流行音樂（Pop），不是主流音樂。通常的情況是我們把它等價於「搖滾音樂」或「新音樂」。但是許多樂手出於不同的理解和價值取向並不願承認自己屬於地下樂隊，所以有必要找到一個客觀的標准，即樂隊簽（藝人）約與否。樂隊簽約唱片公司，每月有固定的經濟來源，並享有以專輯形式發表作品的機會，則其狀態與其他樂隊有本質的不同。
樂隊有多少種，地下樂隊也有多少種。
很多樂隊簽約之前就是地下樂隊，另外還有地下歌手。

❻ 地下音樂。地下樂隊是什麼意思

地下音樂地下樂隊不只是這樣吧 一些個人組的樂隊自己排練自己聯系酒吧等地方演出 也不和音樂公司簽約 他們只在當地音樂界能有耳聞 一般是與琴行酒吧有聯系 他們走的不是商業化的道路 這應該是地下音樂吧 自己的理解```

❼ 爵士也來源於

爵士樂的起源（二）

為什麼爵士樂起源於新奧爾良？
新奧爾良長期以來一直有著獨一無二的文化傳統。從十八世紀晚期到十九世紀早期，新奧爾良大部分都被法國人佔領居住著，他們始終保持著對藝術的高度關注，比這個國家其他地域的居住者更熱衷於從音樂和舞蹈中獲取樂趣。因此，十九世紀時新奧爾良是全美國擁有各種音樂團體最多的城市。總而言之，新奧爾良地區有著「尋歡作樂」的傳統。
新奧爾良是各種音樂活動的中心，充斥著各種不同風格的音樂。你可以聽到歌劇，也能看到水手們歡快的號笛舞表演；歐洲的小步舞和四對舞與非洲的巫術儀式音樂居然在這城市中「和平共處」著；Patrick Gilmore和John Philip Sousa的銅管樂隊音樂十分受大家歡迎，另外你還能聽到勞工的做工曲和街頭小販們音樂般的叫賣聲。
另外一個使新奧爾良成為爵士樂發源的理想環境的重要因素是它吸引著大量剛被解放獲得自由的南方黑奴，這個城市以其眾多的工作機遇、豐富的社會活動和多樣化的生活方式充滿了巨大的誘惑力。隨著1809年大量Haitian Creoles（克里奧耳）人湧入這個早已人滿為患的城市，新奧爾良成為北美黑人文化的中心（同時各種各樣的音樂也被融入其間）。
新奧爾良之所以成為經濟的中心是由於它靠近密西西比河河口，密西西比航線是當時美洲和加勒比海之間的一條繁忙的水上貿易線路。作為一個迎接著世界各地的旅行者歇腳的海港，新奧爾良保持著它的狂歡的氣氛，而且還有著當時美國最大最有名的紅燈區。（音樂家們經常談到的這個紅燈區後來以「Storyville」而聞名，這個名字來自於當時的一位名叫Story的市政高官，是他1897年提出在這個城市的一角規劃出一個區域以便合法地開展***行業。由於Storyville在Jazz樂史上的影響，一些唱片公司、書籍出版商和夜總紛紛冠以這個名稱。）正是這里提到的新奧爾良的歌舞、***、販私酒等行業為音樂家們提供了大量的就業機會。了解這些相關背景對理解爵士樂的起源是很有幫助的，接下來我們將提到教堂音樂，看它是如何將歐洲殖民者以及非洲奴隸的音樂傳統融合起來的，
在17世紀中期之前新奧爾良地區白種人和黑種人之間的通婚促進了歐洲與非洲傳統的融合。這些通婚後繁衍下來的子孫後代，由於先人部分是非洲血統，部分是法國血統，被稱作為「Creoles of Color」，或者就簡稱為「Creoles（克里奧耳人）」。然而，在新奧爾良居住的兩股同為非洲後裔的居民卻有著顯著的區分。Creoles不再被稱作為是「Negro」，但這個稱謂還用於那些沒有和只有很少白人血統的黑人。Creoles大都是受過良好的教育的成功人士，諸如商人、醫生、地主或手工藝人。他們說法語，很多人都有奴隸，而且也要求他的奴隸也講法語。出生於Creoles家庭的小孩大都受過程度比較高的音樂訓練，有些甚至遠赴巴黎的音樂學校學習。許多Creoles都住在新奧爾良現今被叫作法國街區的城中心地帶，黑人則在臨近的有色人種雜居地區生活著，大多是遠離鬧市的一些地方，他們基本上做傭人或沒技術的苦力工。Creoles完全是繼承了歐洲音樂的傳統，與此相反的是黑人們的音樂還是保留著非洲音樂的某些特徵。盡管許多遠離鬧市區的音樂家也接受了一些音樂訓練，但整體來講他們的音樂要比Creoles的粗糙一些。在他們的音樂中已經出現了一些即興的成分，然而這種特徵還遠未達到成熟的程度。總的來講，許多歐洲音樂的傳統被Creoles音樂保留吸收了下來，黑人音樂也維持著非洲祖先的一些傳統音樂特徵。
住在新奧爾良下城區的黑人演唱包括黑人宗教音樂（歐洲教堂音樂和非洲唱腔的一種中和）以及做工歌（用來舒緩體力勞動的艱辛）兩種形式。另一種常見的黑人演唱是街頭小販的叫賣聲，這種演唱在音色和音高上的諸多變化非常有感染力。上述的三種黑人音樂融會貫通逐漸形成一種沒有伴奏的表演唱，後來發展成使用吉他和班卓琴來伴奏。起先無論演奏者使用何種方式來為演唱伴奏，他們使用的和聲都是附帶著旋律線的（與後來發展為爵士樂伴奏體系的傳統歐洲音樂的旋律和聲關系正好相反，歐洲音樂傳統中和聲對旋律音的選擇是限制的）。在早期美國黑人的演唱中伴奏和聲是很簡單的，有時候整首歌的伴奏只用到兩三個***。歌詞與旋律也非常簡單，而且在句與句、段落反復中間還有著很長的停頓。這種早先的音樂形式我們現在稱作為Blues（可以找一下早期Blues大師Robert Johnson、Son House、Charley Parton等的作品）。
Robert Johnson 三角洲（DELTA）BLUES之王
the Rolling Stones, Steve Miller, Led Zeppelin, and Eric Clapton, The Red Hot Chilli pepper都翻唱過他的作品.

son house 他是大名鼎鼎的芝加哥BLUES大師muddy waters的偶像
charley paton 另一位早期三角洲BLUES大師

那時候Ragtime在新奧爾良也是非常的流行。「Rag」作為一個名詞，是用來定義這種音樂創作的形式的，它在結構上借鑒了歐洲軍樂隊進行曲的曲式，在節奏上取用了黑人班卓琴音樂的特徵。「Rag」假如作為動詞來使用的話，它表示不斷地變換曲子的節奏來形成鮮明的切分和碎拍的感覺。「Ragtime」這個詞幾乎是那些1890期間出現的鋼琴作品和當時非常受歡迎的Scott Joplin（1868-1917）的作品的代名詞（可聽一下Scott Joplin的作品「Maple Leaf Rag」）。這個名詞可以用來指稱那一段時期的所有作品，不僅局限於鋼琴。舉個例子，在1890至1920年間，不僅有Ragtime樂隊，Ragtime歌手，Ragtime班卓琴手，而且除了那些專門演奏現成作品的Ragtime鋼琴手外，已經開始出現能即興演奏的Ragtime鋼琴手了。許多現在被我們稱為是Jazz音樂家的樂手會稱自己是「Ragtime」樂手，而且一些學者也把Ragtime稱為是最早的一種爵士風格。然而，由於Ragtime只是有限程度上的即興，並且它喚起爵士搖擺感的程度也很有限，還不能被稱作為是爵士樂的開端。

爵士樂的起源（三）

為什麼爵士樂會出現於世紀之交？

至少有三個方面的因素可以用來解釋爵士樂起源時間的問題。第一個因素是二十世紀初期新奧爾良音樂活動異常活躍。這是個多產的時期，因為對音樂家或樂隊來講有很多的工作機會，同時也有很多機會使得大量的表演和曲目相互融合。第二個因素是多年來路易斯安娜州的社會和法制環境的不斷變化導致Creoles的社會地位逐漸向黑人靠攏。在十九世紀與二十世紀之間這段時期，純種的血統和混血之間的區分不存在了。只要有任何意義上的黑人血緣關系的公民就都被納入同一類別的人種。Creoles被迫放棄十八世紀期間所擁有的社會地位，改而接受黑人同樣的生活處境。盡管Creoles對此所不滿，但爵士樂卻成了最大的受益者，因為這種社會地位的調整使得歐洲音樂傳統（Creoles人所代表的）和非洲音樂傳統（黑人所代表的）更為便利地融合。
第三個因素是Ragtime音樂的流行。這種音樂風格對當時新奧爾良流行音樂的節奏特徵起了重要的影響。Ragtime是一個多世紀以來歐洲和非洲音樂傳統融合趨勢集大成的一種音樂形式。盡管音樂學家在這一點上有分歧，因為通常都認為黑人演唱技巧影響了爵士樂隊中樂器的演奏（使得音色更傷感），Ragtime影響了爵士樂的節奏風格（帶來了切分節拍）。
在思考為什麼爵士樂會出現於世紀之交的問題時，我們的頭腦中必須有幾個大體的概念。盡管「種族身份的無意識自我認知」是可以通過基因遺傳的，但是我們不能說不同民族的人對音樂的喜好也是會遺傳的。人的偏好是後天習得的，並不是遺傳來的。所以一廂情願的認為黑人演奏的音樂聽上去都是非洲味的，這種觀點顯然是不理智的。即使許多黑人奴隸對那些通過模仿和言傳身教一代代傳承下來的非洲音樂技巧很有偏好，對那些在他們到達美洲大陸前就以存在的歐洲音樂，他們也是樂於接受的。實際上，在十九世紀中期，好多很有造詣的歐洲音樂風格的演奏家都有著黑人家庭背景。並且在新奧爾良一些黑人和Creoles的音樂家同樣會演奏馬祖卡、華爾茲、波爾卡、四對舞曲。事實上這些新奧爾良有著非洲血統的音樂家與這些演奏的音樂毫無瓜葛。正由於新奧爾良為音樂家提供了大量的就業機會以及豐富的文化融合，使得所有的音樂家都有機會聽到各自不同的音樂，這些大量現成的音樂素材的存在與追求演奏風格多樣性的沖動最終在某天鍛造出了一種全新的音樂形式－JAZZ。

爵士樂的起源（四）

歐洲音樂和非洲音樂對爵士樂的影響。
大多數爵士音樂史上的開拓者都是黑人音樂家，即使到當代，在所有的爵士樂音樂家中黑人音樂家還是占絕大多數。人們常常問是否因為爵士樂包含有那種被美國黑人文化過濾過的非洲音樂特徵，才會出現那麼多的黑人樂手。這個問題很難回答，因為歐洲音樂和非洲音樂也有很多相同的元素，並且在爵士樂的形成過程中它們都是原型。但是這種說法還是有一定的道理的，讓我們記著爵士樂始終有兩個主要的原型來源，同時來研究一下爵士樂與這兩種來源之間的一些相關特徵。第一個特徵就是即興。這種自發的、多樣性的、獨立的段落演奏手法是一些非洲音樂和大部分爵士樂的一個鮮明特點。音樂學者們把這種演奏稱為「Improvisation」。在西非的一些音樂形式中，即興出現於一些大樂隊的成員的演奏中。然而無論如何都不能與今天爵士樂中大量的即興相提並論。對於西非和美國黑人歌手而言，即興演奏並不是像爵士樂演奏者那樣要在演奏中創造出一些精緻的旋律。這些歌手通常不會把即興的重心放在構造橫跨幾個音區的旋律或不停變換的旋律和聲走向上，他們通常做的是改變一個延長音的音色，在起音和尾音處變化它的時值、音高和音色。通常會通過玩弄變化旋律的節奏來即興。演唱時使旋律早現、延遲，或將一段旋律反復多次（術語叫做「Reaccentuation」）相同的一段旋律開始，隨後舒緩地進行，在它將要結束之前突然增大音量及情緒推至高潮。有時候整個段落結構安排會由於節拍的變化而重新調整，這種技巧術語上稱作為「Rhythmic Displacement」。（可以聽聽Robert Johnson演唱的「Hellhound on my trail」或Bessie Smith演唱的「Lost your head blues」。）這些技巧在美國黑人的Gospel音樂以及受Gospel影響的流行音樂的表演中可以清楚地看到，出名的歌手有Aretha Franklin和James Brown。
我們為什麼要在這本主要討論爵士樂器樂作品的教科書中大談黑人歌手的演唱呢？原因在於這里所談到的一些演唱方面的實踐對一些演奏小號、長號、單簧管、薩克斯的爵士音樂家風格的形成有一定的影響。而且對於每個爵士樂手演奏生涯中畢生所追求的個人風格開拓和非傳統方式演奏來講，也要求將個人演奏中音高和音色的即興變化作為一個最基本的要求。這種追求的最原始起源就來自於對人聲演唱風格的模仿，這一點幾乎成為大多數音樂學者所通行的說法。（這種美國黑人音樂中體現出來的即興和個性張力被認為是來自於非洲音樂的傳統，然而在美國其他風格的音樂中也能看到這種特徵。音樂學者們對於非洲音樂的即興特徵影響美國黑人音樂到底有多深也不是很清楚，同樣爵士樂手致力於個人風格形成的努力也全不是所謂的「黑人美學」的一種延伸。）
讓我們來看看歐洲音樂能為爵士樂的即興起源貢獻些什麼。在爵士樂誕生之時的美國已經有了發展得比較完善的歐洲即興音樂傳統。舉個例子，即興的裝飾樂句在二十世紀之前的音樂會中已經很常見了，在民間音樂和流行音樂中則更為普遍。在爵士樂出現之前的一些非正規的美國音樂中，已經有了些即興的先例，諸如音樂家已不再像以往那樣演唱和演奏同時開始，會在音樂起始部分做一些即興的變奏，歌手在覺得適合的時候才開始切入演唱，盡管這對於我們的聽覺來講多少顯得有些雜亂。這種即興變奏在鍵盤音樂家的獨奏演出中是非常顯著的一部分，另外在法國和德國的鍵盤演奏傳統中也早已把這種即興手法被稱作「Preluding（前奏曲）」。一些早期的美國音樂家甚至被要求掌握那種根據聽眾提供的素材來即興完成一首完整的曲子的能力。換種說法，這些用來裝飾音樂的即興技巧在西非和歐洲的音樂中都早就出現了，而且同時對爵士樂中即興的使用產生影響。
無論BLUES和JAZZ史都不漏過的一位女歌手。

爵士樂的起源（五）

歐洲音樂和非洲音樂對爵士樂的影響。

現在我們來看看二十世紀初期新奧爾良音樂家對即興手法的使用情況。至少最晚至1923年，樂手們在即興方面體現出來的開創性基本上還受到一些拼拼湊湊的集體演奏慣例的限制。但有時一些常規的演奏慣例在表演中也會被樂手不自覺地串改，這種做法可以看作是即興的一種原始體現（盡管這種小范圍的突破在以後的演出中樂手還會反復使用）。一些留存的編曲方面的出版物為當時的樂隊演奏提供了演奏的規范，但是樂手們一般盡可能地不去參考那些現成的曲譜。然而，在這些演奏情況下對記譜的棄置不用還不能看作是即興出現的一個明顯跡象，至少他還沒有超越我們今天的一些婚禮樂隊和休閑演出中那種（偶爾放棄樂譜使用新的演奏規范）所謂的「即興」的層次。根據Karl Koening的研究，大多數早期的新奧爾良音樂家都能讀譜，不過，除了少數不能讀譜的以外，會讀譜的音樂家一旦學會讀譜後，演奏時也常是選擇拋棄不用的。即使對於早期Combo（小編制的爵士樂隊）爵士樂中為數不多一些反復排練的作品來講，作品的各個聲部都不是嚴格地限定死的。長號演奏的對位旋律線，單簧管的伴奏，小號的旋律變奏都可以進行自發地創造性地演奏；即使伴奏部分，樂手也可以憑借自己的冒險性和創造力來進行即興和變奏。在一個相對適合的演奏聲部大致成型以後，音樂家就會忠實於它，演奏中不斷地與其保持相關性。然而演奏過程中新旋律地即興構造和創作還是有限的。當時來講，對即興地追求還不像爵士樂成型後那樣，完全是作為一種爵士樂美學的核心來看待的。不過這種對個性和獨特性的追求，還是與我們所提到的即興概念是保持一致的。盡管即興的種子在新奧爾良植下了，但與現在我們所談到的相同程度和意義上爵士即興還未出現。

這種即興的傾向由於20年代晚期和30年代早期的不斷拓展，逐漸演化成為今天我們通常所期望從爵士樂中得到的那種大段的即興。不幸的是，我們從不知道為什麼這種轉變會發生。也許有如下的一些原因：1、對固定的演奏模式的厭倦2、在沒有大量活頁樂譜資源的情況下學習演奏新東西的一種需要3、一種對離題炫技獨奏的強烈興趣4、歐洲和非洲音樂傳統中自發求變的一種延續5、樂手們自身約束不住的創造力6、上述各種原因的結合
接下來讓我們看看切分，爵士樂的另外一個顯著的特徵。這種節奏現象最為人熟知的是重拍出現在非主拍上。盡管非洲音樂以顯著切分聞名，但切分在非洲音樂和歐洲音樂中都很常見。爵士中的切分一部分被看作是來自於非洲班卓琴音樂和拉格泰姆，另一部分則被認為是來源於我們上一章所提到的歐洲音樂中的即興裝飾演奏。爵士音樂家的這種切分口味可能部分來自於演奏中對節奏對比的一種偏好，這是經美國黑人文化過濾後留存下來的一個非常明顯的非洲音樂傳統特徵。

爵士樂第三個特徵是和聲。盡管和聲在非洲音樂中也存在，但是爵士樂中的那種和聲行進在非洲本土音樂中卻是不常見的。歐洲音樂為爵士樂提供了那些典型的和聲行進。

爵士樂的第四個特徵是對樂器的選擇。盡管在非洲的個別區域可以發現一些與二十世紀歐洲樂器功能上相對應的本土樂器，然而那些為美洲新大陸輸送大量黑奴的地域，卻沒有出現早期爵士樂團中大量使用的小號、單簧管、長號、薩克斯等功能相類似的樂器。笛子和木琴是西非當地很常見的一些樂器。

爵士樂中的弦樂器的使用情況如何呢？早期的爵士樂團演奏中會頻繁地使用班卓琴這種弦樂器，班卓琴是種地道的美國黑人樂器，由非洲的halam琴演化過來；同樣，吉他也是常用的弦樂器之一，源自於歐洲；低音提琴也是源自於歐洲的一種爵士樂常用的樂器。
接下來談談鼓。來源自西非的鼓在當代的爵士樂團體中也還繼續使用著。然而早期爵士樂中使用的鼓，主要還是借用自歐洲的銅管樂隊。Woodblock和Cowbell（曼波鍾）這兩樣打擊樂器，作為鼓演奏的一部分，從早期有錄音開始就出現在爵士樂中了。盡管中國和土耳其作為先行者為美洲新大陸帶來了很多相似的樂器，但這兩樣樂器還是被認為是從非洲傳入的（順便提一句，爵士樂中騎鈸的使用方法很像非洲音樂家演奏他們的本土打擊樂器「Toke」，一種細長的鐵制樂器）。

許多早期的爵士樂團在樂團編制上直接借用歐洲銅管樂隊的模式，包括小號、長號、單簧管、薩克斯、大號。這些樂團演奏一些十九世紀美國音樂會和遊行樂隊常用的曲目。新奧爾良的一些樂隊被看作是最早的爵士樂團，至少也是先行者，樂隊使用小提琴、吉他、貝司、有時也加入短號、單簧管等的演奏。這些曲目和樂器的演奏都是歐洲風格的。在世紀之交的新奧爾良大量的黑人兄弟會的樂團都使用歐洲銅管樂隊的樂器配置，演奏進行曲或當時一些遊行、野餐、葬禮以及舞會上的流行曲調。

爵士樂的起源（六）

歐洲音樂和非洲音樂對爵士樂的影響。
爵士樂的第五個特徵是曲子中相對不頻繁的音量大小變化。一個既定曲目的演奏通常開始、發展、結束時的音量大小是相同的。在演奏的力度上雖然有大小起伏的，但總體來講，在這一點上是沒有歐洲音樂來得變化多端的。其實在爵士樂起源之時的美國，那些源自歐洲的舞會音樂中也有這種在音量上的缺乏戲劇性變化的特徵，大量的西非音樂也有這個特點。
爵士樂的第六個特徵是打擊樂器在音樂中佔有很突出的地位。大多數的爵士樂團都有一位爵士鼓手，他演奏一套有很多相關配件的鼓，為音樂提供一個穩定的節奏同時也起到激發情緒的作用。鼓在非洲音樂中佔有很重要的地位，打擊樂器在歐洲傳統的銅管樂隊和歐洲民間舞曲中也是起到非常重要作用。爵士樂的另一個相關特徵是以高度節奏化和打擊樂器的方式來演奏旋律樂器。在其他音樂類型中非打擊樂器也會使用這種方式來演奏，但在使用程度上沒有爵士樂中明顯，非洲音樂中的旋律樂器的演奏方式也與此類似。一些學者把這種傾向稱之為「Rhythmization」。

爵士樂的第七個特徵是指為了增強聽覺上的吸引力不斷地變化音色的粗糙度、振動頻率以及響度。舉個例子，爵士鼓手有時候會在騎鈸上放一串鑰匙來增強聲音的延續性或豐富聲響的層次。另外鼓手有時也會在鈸片上嵌入一枚鉚釘，當鉚釘的震動頻率與鈸片的頻率不同時會產生「Sizzle」聲。需要指出的是許多薩克斯手在追求音色變化的過程中會傾向於刺耳的影響效果（可以聽一下Don Byas在演奏曲子「I Got Rhythm」中薩克斯發出的蜂鳴般的音色或John Coltrane在Miles Davis的曲子「So What」演奏中薩克斯的穿透性的音色）。還值得一提的是爵士小號手和長號手有時候會以「咆哮」的方式來演奏（聽一下小號手Bubber Miley在Duke Ellington的 「East St.Louis Toodle-o」或長號手Joe Nanton在Duke Ellington的「Harlem Airshaft」和「Ko-Ko中的演奏」）。再一個這方面的明顯見證是爵士樂銅管演奏手們熱衷於通過使用弱音器來拓展音色變化的潛在可能性（可參考Joe Oliver在「Dippermouth Blues」中弱音小號的獨奏和Cootie Williams在Ellington的「Concerto For Cootie」中的弱音小號演奏部分）。這種追求音響效果上的變化的偏好被認為是來自非洲的傳統。

爵士樂的第八個特徵為短小反復樂段的廣泛使用。爵士樂鼓手常用的「Ride Rhythm」技巧就是一個例子；另外，Boogie-Woogie鋼琴演奏家左手演奏的音型風格也屬於這種小樂段的反復（可參考Meade Lux Lewis演奏的「Honky Tonk Train」）；簡言之，反復的貝司音型演奏在Jazz-Rock中是非常普遍的，在七八十年代Herbie Hancock和Weather Report的錄音中可以找到大量這類的例證。這些音樂與三十年代早期風格的爵士相同，有著大量反復演奏的小段落，術語上稱之為「Riffs」。

上述我們討論的一些關於「Riffs」演奏的實例，一部分衍生自爵士樂起源前美國非常普遍的拉格泰姆和軍鼓演奏風格，另一部分發源自同時期美國非常流行的民間音樂和進行曲的伴奏節拍風格。音樂家們用術語「Ostinato」來描述我們討論的這種簡明、反復的段落演奏模式（這個詞借用自義大利語中的「Obstinate」）。「Ostinato」在包含有這種反復短小段落演奏的許多音樂形式中出現，然而「Ostinato」對非洲音樂來講可說是其音樂的一種核心特質，同樣它在美國黑人音樂中的顯著地位也反映出對非洲音樂傳統的一種保留。爵士樂中上述這種手法的運用對搖擺感（Swing Feeling）的催生起到過重要的意義，在非洲音樂中這種手法產生的效果也是相同的，因此音樂學家相信爵士樂搖擺感起源自非洲音樂傳統。

爵士樂的第九個特徵是在音樂中你能同時聽到不同的節奏體系。具體來講，樂團的一部分節奏形成雙拍子的內在律動的同時，另一部分又構成了三拍子的內在律動，這兩種節奏結合起來就形成了Polyrhythm（多重節奏），為爵士樂提供了一種節奏上的興奮點。因為它在聽眾內心產生了一種張力——聽眾可以拒絕聽其中的任何一條節奏線，但一旦仔細去聽的話會發現自己的注意力始終無法將這種多重節奏調和統一起來（可以聽一下James P Johnson「Carolina Shout」中節奏部分沖突的部分）。

❽ 想知道爵士樂的起源和發展，熱愛她的人還有否

雷 查爾斯，諾拉 瓊絲是我最喜歡的！
電影中的爵士王家衛的《花樣年華》讓古老的爵士歌手Nat King Cole一下子迷倒了中國觀眾。《珍珠港》中給空軍小夥子們出征前和護士歡聚的溫馨場面配樂的正是爵士。還有《卡薩布蘭卡》中那曲傷感的《Time goes by》、《廊橋遺夢》中男歌手強尼哈特曼所唱的《For All We Know》、《I See Your Face Before Me》，有濃厚藍調色彩的黛安娜 . 華盛頓演唱的那首《Soft Wind》，《西雅圖夜未眠》中路易.阿姆斯特朗的爵士名曲《Makin'Mhoopee》、《新娘不是我》中美國歌王Bennett的《The Way You Look Tonight》，尼古拉斯凱奇主演的《愛在紐約》中悲情歌後Billie Holiday演唱的《They Can't Take That Away From Me》，科波拉的《棉花俱樂部》、馬丁.斯科賽斯的《計程車司機》……用爵士配樂的電影數不勝數。 在這個多元文化的音樂時代，爵士元素越來越多地被採納，流行音樂、搖滾樂、古典音樂、紅透全球的Hip－pop，其中都有著爵士的影子。Radiohead的新作《KID A》，Kenny G的薩克斯，竇唯的譯樂隊，順子的新專輯《...and music's there...》，丁薇的《斷翅的蝴蝶》……其實，爵士的獨特魅力已經被越來越多的人熟悉和喜愛.什麼是爵士？簡單的說，爵士樂是一種雜交的樂種。從它的身上可以找到美國民歌小調，黑人靈樂怨曲以及各種村音俗韻的身影。這種"雞尾酒"式的音樂從其發端說來不過百十年的歷史。

一、爵士樂起源的背景文化 （一）、非洲淵源 爵士樂來自黑人音樂，黑人音樂的故鄉是非洲音樂。在非洲文化中，音樂以對人生的全部理解為其基礎，無所不在，充斥著一切，不僅僅有服務於宗教，而且服務於生活的所有方面，包括生老病死，工作與娛樂。非洲，這塊充滿原始野性的大陸其音樂中最突出、最主要的因素是節奏。原住民手下的鼓在太陽的炙烤下自然誕生了火焰般跳躍的節奏。於是，這種節奏成了非洲音樂的內核，它所獨具的活力和強烈的感染力讓全世界每一個聽到的人都能深切感受到來自非洲的動感沖擊。非洲音樂傳統是"口頭的"，既無記錄也無常規，只是帶有本地風情.。口頭傳統產生靈活性和創作力。節奏歌詞隨領唱情緒而變。領唱（常）在演出中編新詞新調，這就是"即興"的含義，即藝術家用腦（和心）創作。非洲音樂另一突出特點是，演出中變換節奏。通常是起奏延緩、隨機強調音節。18世紀到19世紀，黑奴販賣交易繁盛，來自非洲大地各個角落的許多黑人被販賣到美洲，絕大部分充當奴隸。黑人音樂文化遺風，被白人殖民者裝船遠渡而受重創。在奴隸制度的壓迫下，他們頑強地保持著自己的文化。象舞蹈、音樂、神話、宗教儀式等，"自由修改"詞、節奏、風格的趨勢愈加明顯。這是他們民族文化中最寶貴的東西，並經過代代相傳，其核心部分終於存留下來了。在奴隸得到解放後，這些傳統文化有了新的發展，甚至最終給居於統治地位的白人的音樂文化，打上了特殊的印記。 （二）、寬容的文化氛圍非洲音樂中傳統的節奏和即興是黑人音樂的根源。在黑人音樂全面影響美國主流音樂以前，美國白人音樂也是不講究旋律的。再往前推一步，非洲音樂也並不是只講究節奏的。正宗的非洲音樂對旋律的講究至少不亞於節奏。美國黑人音樂中節奏的特殊地位是和早期白人奴隸主不準黑人唱歌彈琴有關的。黑人音樂在初到美洲時受到了極大的限制，可總有一個地方能夠容納非洲來的音樂。新奧爾良正好處在這么一個政治地位上。於是決定了它必然成為爵士樂的發源地。 在19世紀末到20世紀初，新奧爾良恐怕是全美國最不美國化的城市。它座落在密西西比河拐入墨西哥灣的河口以內80英里處，混合著西班牙、法國、諾瓦斯科夏（加拿大省名）和非洲等若干不同文化，其氛圍十分開放、寬容、自由、溫馨。新奧爾良在爵士樂誕生及發展過程中扮演了一個關鍵的角色。在整個18世紀，新奧爾良是一個獨一無二的"三不管"自由地區：法國和西班牙將新奧爾良轉讓來轉讓去，這個州就是這樣與管轄主若即若離，殖民者似乎時有時無，直到1803年，被美國政府以700萬美元買下。此地的法國、西班牙統治鬆散不力，許多非洲黑人從美國南方和加勒比群島的奴隸主手下逃到新奧爾良，享受優越獨特?quot;自由黑人"身份，在求職、進修、與當地白人交往、通婚等方面都不受限制。由於通婚很普遍，他們的後代形成此地一個優勢階級"克里奧耳人"（雙親中一方是非洲人，一方是西班牙或法國人）。19世紀初葉，克里奧耳人享受的社會地位幾乎和白人的一樣。 18世紀末，19世紀初，統治著新奧爾良的法國人一貫重視音樂，尤其熱衷搞音樂節和藝術節。法國、西班牙商人和專業人員從故國攜帶鋼琴、小提琴、小號等樂器，以便來到新奧爾良以後還能繼續欣賞巴赫、莫扎特和舒伯特的樂曲。商人家庭多因有錢、受過教育，受過歐洲音樂作品熏陶，通曉樂器，保留傳統已成習俗。後來當地人（非洲人和克里奧爾）與他們自由往來並受其音樂藝術熏陶。有錢人送天賦頗高的克里奧爾人去歐洲音樂院校，而他們小時侯在當時所受的卻是正宗的黑人音樂。於是19世紀末，大批黑人、克里奧爾音樂人在唱歌劇、奏弦樂，給他們的贊助人和自己以文化激勵。西城大部分就是貧窮的黑人，他們之中的樂師卻連樂譜也不認識。在這種情況下，新奧爾良產生了兩種不同的音樂團體，一種是"端坐樂隊"，在鬧市演出；另一種是"即興樂隊"，通常走街串巷。在1894年，突然這種格局發生了巨大變化。政府發布了"種族隔離政策"，將黑人和克里奧爾人全部歸結成了有色人種而實行隔離。地位的降低引起了克里奧爾人的極大不滿，並在客觀上使他們與當地黑人更為親密。於是，受過良好音樂教育的克里奧爾人和黑人樂師們坐在一起研究和探討音樂，讓克里奧爾人放棄了原先優美舒緩的歐洲風格音樂，而故意將音樂加大拉長，以此抗議歧視。新奧爾良早先曾有過極大的社會自由，幾種不同文化傳統曾自由融合，來自不同國家的人一度自由交往、通婚，也把各自的音樂揉進新奧爾良音樂之中，使之成為一種與美國主流音樂傳統迥異的混合音樂。

二、爵士樂的直接起源 （一）、BLUES藍調 Blues音樂是居住在美國的黑人在艱難困苦的生活中創造出的音樂風格。它發源於密西西比河的三角洲地帶，起源於20世紀初。1865年，美國內戰宣告結束，往日的奴隸們獲得了人生自由，他們多數是文盲，生活依然貧困潦倒，唯有靠自己故土培植出的音樂自娛自樂，是採摘棉花或築路時唱的勞動號子和農田歌曲。美國南方黑人與白人早期在音樂方面接觸的重要媒介之一--宗教音樂，對黑人在音樂上的影響形成了黑人聖歌。在教堂里黑人牧師們在宗教集會上借用了英國的慣例，即採用一種名為"領唱"的技巧反復吟誦兩到三行聖詩，以此解決人們不識字的問題。最初這種音樂完全以人聲吟誦，極少有樂器伴奏。後來這種音樂（至少對歐洲人）逐漸變得很正式，被精心記錄和正規演奏。信教黑人（常不懂玄奧的神學及聖人風度）也奏樂，但遠不及神父的期盼。黑人教堂中的聖歌（這樣嚴肅的音樂）中出現了許多非洲音樂名詞。牧師也取代了西非音樂的領唱，唱法充滿活力、令人興奮、與眾不同。頌唱、應答合唱拖長變幻音節與模式，加上喊叫和感情自然迸發，都是黑人獻給上帝的獨特補充。 到了19世紀下半葉，黑人音樂風格得到了快速的發展，並同樣受到非洲音樂以及美國白人從歐洲帶來的傳統音樂的影響，勞動歌曲和黑人聖歌相結合，形成了一種獨特的黑人民歌風格，從這種風格中便產生出了Blues 音樂。Blues最初主要是人聲的敘述，後來才加上了樂器的伴奏。主要是吉他或者班卓琴之類的單一樂曲伴奏，器樂旋律與歌曲者交替表演。它節奏特色明顯，而且保留了集體即興創作的特點。在上個世紀的20年代，Blues以它個性的歌詞、和諧的節奏以及憂郁的旋律逐漸興起。Blues音樂中包含了很多詩一樣的語言，並且不斷反復，然後以決定性的一行結束。旋律的進行以和弦為基礎，以I 、IV、V級的3個和弦為主要和弦，12小節為一模式反復。旋律中，將主調上的第3、5、7級音降半音，使人有著苦樂參半、多愁善感的感覺沖擊。布魯斯作為一種音樂形式看似簡單，實際可以有幾乎是無窮的變化，一直是任何一種爵士樂的重要組成部分，而且它成功地保持了自身獨立的存在。可以說如�揮脅悸乘咕筒豢贍苡薪裉斕木羰坷幀⒁」隼幀?br> Blues 的產生是為了抒發演唱者的個人情感，它為音樂家提供了表白自身的機會；他們的愛、他們的恨、他們對工作的態度等等。著名Blues 歌手布朗 . 麥克斯就曾說過："我從不運用想像力寫曲子，Blues 不是夢，是現實。"Blues 本身就是一種精神狀態，是平民的音樂，是來自生活的音樂。而它的內容則包括許多，而且是最真實的反映；對不公正的反抗、對美好對愛情的嚮往、挫折後的失意、情感上的宣洩；同時幽默、自嘲，有時甚至是流著眼淚的笑。 （二）、拉格泰姆REGTIME音樂本身沒有膚色之辨。吟遊歌手們最初都是白人，他們將臉孔塗黑，模仿並歪曲黑人音樂家的演唱；鄉村裡貧困的白人樂手錶演的，往往來自歐洲的民謠和說法語的路易斯安娜洲所獨有的移民音樂。內戰結束，士兵們復員回鄉後，有價格相當便宜的軍樂可利用；器樂演奏行列的壯大意味著黑人音樂的日臻成熟。當美國的黑人搬到像孟菲斯和新奧爾良這樣的都市中去打工的時候，布魯斯逐漸轉為更大程度上的都市化現象。1900年，由於音樂互相融合滲透，在新奧爾良形成所謂"新奧爾良派"音樂，人稱"襤褸時代音樂"。正如前述，許多黑人、克里奧耳音樂人極具天賦。他們彈歐洲古典樂及民謠的技術爐火純青。當時，這些樂師在妓院和酒館里為一群沒有多少音樂素養的人演奏。在昏天酒地的氣氛中，他們開始修改曲目，甚至自己創作。鋼琴師們自由發揮，隨意偏離固定格式。他們這樣做幾乎是出於報復。由於演出時間長（從傍晚到次日清晨），可以想像這些松垮的藝人對嚴格的音樂標准感到厭煩，開始創作新的有趣的韻律格式。由"妓院"鋼琴師發展出兩種模式--"切分法"和"即興法"，它們是"襤時代音樂"標志。在20世紀初，"襤褸時代音樂"已顯現嚴格的新奧爾良爵士前身音樂的主要風格。"襤褸時代音樂"開始明確作為鋼琴演奏的獨特風格。它復雜、節奏嚴格，"引用"古典樂潤飾。然而，在底層黑人和克里奧爾鋼琴師手中古典音樂中嚴格的節拍被打亂，甚至完全崩潰，顯得有點惡作劇，"ragtime"由此得名。拉格泰姆的黃金時代大約是在1898年到1908年，但它的時問跨度實際很大，影響綿延不絕。

三、爵士樂的發展進程早期的爵士樂（1900-1917）曲目有32小節、4樂句的AABA流行歌曲式的曲調；有4樂節、兩個調的拉格泰姆曲調；還有12小結的器樂布魯斯曲調。拉格泰姆樂曲的和聲節奏傾向於比另兩種更快的速度。布魯斯樂曲的和聲節奏最慢，但它的獨奏旋律線的變音轉調較多，起音不一，音高變化也不少。早期爵士樂隊的設置平均為8位樂師。在新奧爾良風格爵士樂隊的固定形式上增加了兩件樂器。有時添一支短號和一件節奏樂器，有時加一把小提琴為領奏。在演奏過程中，樂隊的每個成員，不僅僅是獨奏者，都要做即興演奏。彼此之間自發的互相謙讓與合作，只受和弦進行結構的限制，這種新的聲音在20世紀初期任何聽眾以下就能辨認的出，它就是"爵士樂"。 1917年，"JAZZ"這個名詞首次出現在人們的生活中；這一年被人們公認為"爵士元年"。從這時候開始，爵士，這種黑人古典音樂逐漸影響了整個現代流行音樂世界。在當時，爵士音樂更多地是充當一種跳舞性的伴奏音樂，還沒有能夠形成很好的理論，也沒有跨入大雅之堂。但是隨著時間的不斷推移，爵士音樂家靠著自己不斷地摸索和創新，形成了一整套的爵士音樂理論，開創了大大小小十幾種爵士音樂分類和風格，逐漸成為了世界音樂殿堂中的主流音樂。甚至有一些預言家說："今後50年，音樂將變革得更為徹底，大體分為非即興和即興兩大類音樂，而後者的代表將是爵士音樂。" 總有一個群體在不斷的推翻另一個群體，因此使爵士樂充滿了活力。 二十世紀初直至第一次世界大戰之前，爵士樂仍然是新奧爾良地區性的音樂形式。二十年代因爵士樂的流行被稱為"爵士時代"，一支完全由白人組成的著名的"始創迪克西蘭爵士樂隊"的集體即興演奏風靡一時。而新奧爾良爵士樂的典範--"克里奧爾人爵士樂隊"及其靈魂人物短號手路易斯.阿姆斯特朗的出現改寫了爵士樂，集體合奏開始向個人獨奏的形式過渡。到了三、四十年代，以單簧管演奏家本尼．古德曼（Benny Goodman）為首，爵士樂進入了"大樂隊時代"也稱"搖擺時代"，這一時期爵士樂已成為流行音樂的主流，以伴舞為主要職能?quot;搖擺樂"盛極一時。搖擺樂打破了原有的樂隊編制，它將樂隊人數增至二三十人，並將樂隊分成薩克斯管、�堋⒋蚧骼秩�糠職雌籽葑唷M�綳硪恍┚羰懇帳跫頤搶�門分蘧�湟衾鍾?quot;藍調"相結合，創造出"經典藍調"。 四十年代中期，搖擺樂從音樂上開始缺少新意，有時為了取悅白人聽眾而失去了藝術個性。因此，以薩克斯演奏家查理．帕克（Charlie Parker）為代表的比博普爵士可謂是爵士樂的瘋狂時期。爵士音樂家沖破"搖擺樂"的束縛，創造了以忽略旋律，追求高超的以復雜和弦演奏為基礎的即興演奏的"比波普"爵士樂。爵士樂不再適於伴舞，演變成藝術音樂，退出流行舞台。同時各種形式的爵士樂依舊發展，"迪克西蘭"復活，爵士樂受到前所未有的重視。五、六十年代，爵士樂進入了一個自由創作時期，被稱作"比波普"和"酷"時代。 "比波普"爵士樂成為爵士樂的主流，但同時強調舒緩的音色和編曲的"冷爵士"亦稱"酷"在西海岸興起，五十年代中期達到頂峰。而另一種強調靈歌成分的"硬比波普"在影響上超越了"比波普"。隨後，結合非洲原始音樂和歐洲現代主義元素無調性的"自由爵士樂"卻真正推動了爵士樂的進步，將觀眾甩在了身後。六十年代，"自由爵士樂"達到頂峰。"波普"、"比波普"、"酷"和"自由"派的相繼出現為現代音樂的進一步"演化、試驗和想像"鋪平了道路。而後爵士樂該往哪兒走？這便是"否定-創新"中的第二個概念--創新。否定本身就意味著創新，然而創新即意味著又將有新的現象出現。爵士樂吸取了美國音樂中的所有營養後開始播撒全球。然而當它經過拉丁美洲時，這一剎那又為爵士樂增添了一頁光輝歷史。拉丁爵士--當今最受歡迎的拉丁音樂和流行音樂的最高統帥爵士樂撞到了一起擦出的火花都是帶光環的。以節奏聞名的拉丁音樂加上還是以節奏為特色的爵士樂，因此，拉丁爵士的節奏性是任何音樂都不能與其相比的。特別是巴西的波薩諾瓦（Bossa Nova）將拉丁節奏曼波（Manbo）與冷爵士相結合，打擊樂的色彩在切分節奏的襯托下一幅幅嶄新的畫面使人眼花繚亂。 七、八十年代，爵士樂進入"融合派爵士樂"時代，音樂家將搖滾樂、節奏、布魯斯、芬克式低音以及流行音樂引入爵士樂，並在演奏中加入電子合成樂器。八十年代，爵士樂開始不斷回歸。 "融合"是為主流，而另一些音樂家重新回到波普以前去尋找靈感，"新波普"誕生。九十年代，"新經典主義者"創造出壓抑的、節制的、經濟的音樂，游離於爵士浪漫主義傳統之外。 今天，幾乎每一種爵士風格都活躍在舞台上。具有強烈持久生命力的爵士樂經過百年的演變和融合，早已突破了種族和國界的限制，在世界各地廣為流傳。今天，爵士樂的主要舞台也從美國移向了歐洲並擴展至世界各地，成為一種世界性的音樂，為各國音樂愛好者所喜愛。

四、爵士樂的各大流派 盡管現代的唱片界有時將爵士樂劃分為傳統爵士樂和現代爵士樂兩類，其中傳統爵士樂是指採用了4/4拍的行進性的管樂隊演出相關工作的爵士樂，而現代爵士樂是指採用了貝斯演奏跳舞音樂的爵士樂。這種劃分有時會顯得毫無疑義，如果那這種標准來衡量，人們幾乎無法判斷肯尼 . 金是否比比賽希爾 . 泰勒的音樂更應屬於現代爵士樂。其實傳統和現代這兩個相關的概念予以劃分爵士樂的種類並不確切，這造成了一些既具現代風格又包含了傳統風格的優秀作品無法分類的問題，因為爵士樂將近一百年的發展歷程是連續不斷的。各種風格流派也有其相互的聯系，大體來說可以劃分為以下十九種風格：

時間風格代表人物

1910'-1920'

Ragtime（拉格泰姆爵士）Carlos Barbosa-LimaDick BakerBurt Bales

1910'-1930'

New Orleans（新奧爾良爵士）Louis ArmstrongBig Bill BissonnetteHenry "Red" Allen

1920'-1930'

Classic（古典爵士）Coleman HawkinsFats WallerLouis Armstrong

1920'-1930'

Dixieland（迪克西蘭爵士）Eddie CondonBob CrosbyCharlie Teagarden

1915-1960'

Standards（主流爵士樂）Bing CrosbyDee Dee BridgewaterNina Simone

1920'-1940'

Cool Jazz（冷爵士或西海岸爵士）Dave BrubeckLester YoungStan Getz

1930'-1940'

BigBand（大樂隊）Frank SinatraBenny GoodmanDuke Ellington

1940'-1960'

Swing（搖擺樂）Count BasieLouis ArmstrongElla Fitzgerald

1940'

Bop（波普）Charles MingusOscar PetersonSonny Rollins

1940'

Latin（拉丁爵士）Tito PuenteRay BarrettoThelonious Monk

1940'-

Brazilian Jazz（巴西爵士樂）Lisa OnoAzymuthLuiz Bonf

1950'

Avant-Garde （前衛爵士）Cecil TaylorCharlie HadenMax Roach

1950'-

Post-Bop or Mainstream Jazz（後波普爵士或現代主流爵士）Elvin JonesGeorge BensonGil Evans

1950'-1960'

Third Stream（第三流派爵士）John LewisTeo MaceroGunther Schuller

1950'-1960'

Hard Bop（硬波普爵士）Art BlakeyElvin JonesThelonious Monk

1960'-

Free Jazz（自由爵士）Chick CoreaJohn ColtraneOrneete Coleman

1960'-

Fusion（融合爵士）Miles DavisMarvin GayeWayne Shorter

1970'-

Crossover Jazz（交叉風格爵士）Bill EvansGeorge BensonQuincy Jones

Vocal Jazz（人聲爵士）Billie HolidayElla FitzgeraldGeorge Gershwin

下面我們將介紹幾種比較有影響的爵士風格。

Swing 當新奧爾良爵士樂已經創造了即興演奏的合奏之時，爵士樂在二十年代在美國社會逐漸流行起來，同時對於爵士樂的需要要求增加更多的舞蹈樂隊。Swing 如果當成一個形容詞，它通常是指一種感覺，一種對爵士樂的切分音的感覺, 因為重拍與古典樂不同而產生的一種swing 的感覺。 這種感覺, 通常成為判斷一個音樂是不是爵士樂的標准之一. 所以, 大家有時會聽到這種話: Keith Jarrett 的東西還不夠swing, 或是說, swing 不起來等等, 即是將Swing 變成一種判斷的標准。三十年代的大樂團型式的那種東西,通常被稱為swing, 或有人譯為搖擺樂, 而三十年代同時也被稱為 Swing-era。（也有人稱三十年代中期到一九四六年為止。） 若說二十年代以前是爵士樂的草創期，則三十年代是爵士樂的流行期。三十年代初期，因為流行工業（如留聲機、廣播以及唱片）的發展，爵士樂的重鎮從芝加哥移轉到紐約，配合著為了從第一次世界大戰後的經濟蕭條中站起來的美國消費界，爵士樂手一方面失去單獨（或是小編制）表演的機會，一方面卻也使得大樂團的表演型式更加流行。三十年代中期後，搖擺樂大樂團已是流行音樂中的大將，一直到四十年代中期，這股風潮才開始隨著二次世界大占的終戰退去。這段由搖擺樂大樂團獨領流行樂界風騷的時期，就是一般所稱的：搖擺時代（Swing-era）。在這一段爵士樂的黃金時期里，收音機傳出的盡是搖擺樂大樂團的演奏錄音，酒吧、舞場及其他表演場地里，盡是大樂團的天下，就在他們的樂音的攪拌之下，美國人民用狂舞來度過他們的經濟低潮、工潮與世界大戰。Count Basie的樂團可是一個極佳的樂團，除了有很強的節奏之外，特別是他團里出了許多著名的樂手，Count Basie的音樂及樂手，同時也成為日後bebop的一個前哨，甚至有人認為他才是真正的波普之父（The real father of bebop.）

Bebop "Bebop"一詞源出自爵士音樂家在練聲或哼唱器樂旋律時發出的毫無詞義的音節（或無意義的狂喊亂叫），是一種激進的新的音樂風格。波普爵士樂從四十年代初期開始逐步發展，在1945年左右迅速發展成熟。比波普的樂句經常在末尾以一個很有特色的"長一短"音型突然結束，而這個節奏又常被哼唱成"里波普"或"比波普"。這個詞初次出現在印刷品上是作為吉列斯匹6人樂隊於1945年在紐約錄制的唱片曲名-《咸花生Bebop》。 Bebop發展於搖擺時代次中音薩克斯手Lester Young和Don Byas鋼琴手Art Tatum和Nat Cole, 小號手Roy Eldgridge, 巴錫伯爵的節奏樂器組，還有Charlie parker, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, miles Davis和Bud Powell。 Bebop音樂通常由3至6人組成的小型爵士樂隊演奏。他們不用樂譜，這一點正是他們用來對抗搖擺樂使用改編樂譜的准則。演奏的程序是先把旋律完整地演奏一次（如果是12小節的布魯斯則演奏兩次），接下來是在節奏組（一般是鋼琴、低音提琴和鼓）伴奏下的幾段即興獨奏疊句，再重復第一疊句的旋律結束全曲。節奏組自始至終重復著全曲的和聲音型（包括變化音型），以保持樂曲的結構。

Cool Jazz 冷爵士樂是在四十年代後期和五十年代，從波晉爵士樂直接演化而成的，這種音樂風格基本上是波普爵士樂和搖擺樂某些被忽視和拋棄的特點結合的產物。不和諧的聲音變得流暢自然，曲調更為柔和，編曲重新受到重視，節奏部樂器的演奏也更為和諧，有人稱酷派, 有人稱涼派, 主要是異於bebop的hot, 而較冷靜的一種演奏風格。 五十年代早期, 有人受不了bebop 的那種壓力, 便將 bebop 小小的改了一些, 將其中的那些快速的和弦變化和吹奏速度放慢一些. 或者, 有的放慢很多。主要特色是不像bebop 一樣有稜有角, 是較冷靜而柔順的一種樂風. 一般是以西岸為根據地. 所謂west-coast jazz 一般是指cool.。 若要談起源頭，應該是1949年, Miles Davis 和 Gil Evnas 合作的- Birth of the Cool( Capitol), 但是跟上這種樂風的, 卻大部分是以西岸的樂手為多。一般來說, 酷派的生命很短, 在五十年代成為一種主流的演奏方式, 但是很快的, 又被Hard-bop搶去風頭, 但是酷派的一些元素, 還是會在一些樂手的東西裡面跑出來。 Miles Davis 49-50年前段, Lee Konitz, 60年以前的Stan Getz的東西就算是酷, 可以參考。

Free 60年代是一個信仰破滅的黑暗時期，人們藉助藝術來逃避對社會責任的監督和對自身慾望的追求，在所有的藝術形式中，爵士樂可能是一名最不羈的醉漢了。搖擺、冷卻、堅硬和即興，促使這種音樂的發展軌跡已無蹤可覓，人們根本摸不清它明天會撲向何處。就在這種無所顧忌的放任自流里，自由爵士應運而生了。這種全新的音樂剛一出現，就深受廣大爵士音樂家和爵士樂迷的喜愛。 自由爵士不同於以往爵士樂，在和聲、旋律方面沒有太多的限制，演奏者在演奏過程中可以自由、大膽、隨心所欲的發揮。自由爵士具有全新的節奏概念，節拍、對稱性被統統打亂，同時，它也強調音樂本身的強度與張力，加入大量的不諧和音，把非洲、印度、日本、及阿拉伯等不同的音樂融合到了一起，採用了印度的西塔爾琴、塔布拉雙鼓、擴音拇指鋼琴、警笛和大量的電子設備及打擊樂器，因此，有些自由爵士樂隊看上去就象一支非爵士的先鋒派樂隊。 自由爵士樂對60代爵士樂的發展起到了深遠的影響。

Fusion Fusion是融合的意思, 所以, 其實任何一種音樂元素被加入, 都可以算是Fusion, 但是一般來說, fusoin是指涉:jazz-rock fusion, 其它如巴西音樂加入會稱：bossanova, 俄國音樂會被稱Russia- jazz. 六十年代, 爵士的風光不再, 三十年代轉開收音機收到的爵士樂, 在六十年代已被搖滾樂取代, 市場決定了樂手的生命, 所以, 面對商業壓力, Miles Davis 開始在爵士樂里加入了搖滾樂的元素。搖滾樂和爵士樂都是來源於相同的根目錄: 藍調, 福音,工作歌與r&b,所以, 將這兩個東西合起來的過程, 還算自然.。至少在音樂內容上沒有太大的翻轉。 六十年代中期, 老麥的第二個五重奏的節奏組： Tony Williams就已經開始在他的鼓聲中加入了一些搖滾的節奏, 到了六十年代中後， 許多人開始加入這個潮流, 著名的包括: Gary Burton, Larry Coryell, Herbie Hancock, Keith Jarrett, Freddie Hubbard, Charles Lloyd, Don Ellis 等等。 起帶頭作用的重要的專輯是老麥的三張: Filles De Kilimanjaro, In a Silent Way, 和BitchesBrew, 其中帶入了搖滾樂的鼓法, bass的彈法亦有了改變, 電吉它及Keyboard 也加入了jazz舞台. 這幾張專輯的陣容包括Herbie Hancock, Chick Corea, Joe Zawinul, Wayne Shorter, John McLaughlin,Tony Williams 和 Larry Young, 這些人日後也都組了自己的Fusion樂團, 像Headhunter, Reture to Forever 等等。另外Joe Zawinul和 Wayne Shorter 合組的Weather Report也在音樂中加入了中歐的民謠音樂。 總之, Fusion代表了市場對爵士樂的迫害所找尋的出路, 嚇走了許多基本教義派的爵士迷, 卻也吸引了一些當時的新一代加入爵士聆聽行列。

五、爵士樂的特點 爵士樂的特點之一是變化多端，首先是風格多樣，100年來它幾乎總在變，各類風格的爵士樂粗線條說有十幾種，細線條的數不清。這也是流行音樂的一個屬性。其次是演奏過程中的變幻，即興演奏是它的典型特徵。爵士音樂一般在大家的合奏中有一個主題的框架，然後又在一個固定的和弦變化之下發揮每一個樂手即興的演奏水平，他們只有一個主旋律的總譜

❾ 地下偶像 是什麼

是指AKB48出名後，一些想學習AKB模式的事務所在東京秋葉原等地建立劇場，招募偶像進行劇場公演，但由於AKB的成功很難復制，於是在媒體上曝光率很小，根本沒有進入公眾視野的偶像。上面是我的理解

❿ 中國音樂的起源和發展歷程是怎樣的

中華民族音樂的蒙昧時期早於華夏族的始祖神軒轅黃帝兩千餘年。距今六千七百年至七千餘年的新石器時代，先民們可能已經可以燒制陶塤，挖制骨哨。遠古的音樂文化根據古代文獻記載具有歌、舞、樂互相結合的特點。

漢族古代「詩歌」是不分的，即文學和音樂是緊密相聯系的。現存最早的漢語詩歌總集《詩經》中的詩篇當時都是配有曲調，為人民大眾口頭傳唱的。

中國古代的音樂理論發展較慢，在「正史」中地位不高，沒有能留下更多的書面資料。但音樂和文學一樣，是古代知識分子階層的必修課（詳見「六藝」），在古代中國人的日常生活中無疑有著重要地位；民間則更是充滿了多彩的旋律。

在北伐戰爭時期，中國的音樂家配合革命，作了大量的革命歌曲，在國民革命軍中廣為傳唱，有的是用國外通俗歌曲旋律直接配以革命歌詞。在抗日戰爭時期，音樂家更是同仇敵愾，寫作了大量的抗日歌曲。

中華人民共和國建立之後，流行歌曲除革命歌曲之後，又加入翻譯成中文的蘇聯流行歌曲。各地開始建立交響曲團，演奏西方古典音樂，和中國作曲家的新作。

東歐的樂團曾多次到中國表演，中國樂團也參加了許多國際表演會。中國音樂家也嘗試用西方的樂器方法寫作具有中國風味的音樂，比較成功的有小提琴協奏曲《梁祝》，採納了越劇的部分旋律。

自中國改革開放以來，流行音樂首先從香港及台灣地區進入中國，尤其是台灣的校園歌曲和鄧麗君演唱的歌曲，在大陸中國大受歡迎。

(10)樂手經濟來源在哪裡擴展閱讀

人類社會究竟從什麼時候開始，已經無法考察。但是早在人類還沒有產生語言時，就已經知道利用聲音的高低、強弱等來表達自己的意思和感情。

隨著人類勞動的發展，逐漸產生了統一勞動節奏的號子和相互間傳遞信息的呼喊，這便是最原始的音樂雛形；當人們慶賀收獲和分享勞動成果時，往往敲打石器、木器以表達喜悅、歡樂之情，這便是原始樂器的雛形。

古代音、樂有別。後渾稱「音樂」，指用有組織的樂音表達人們的思想感情、反映社會生活的一種藝術。